Domenica scorsa ho presentato l’ultima tappa nel mio viaggio nella serie TV antologica “Freddy’s Nightmares“, nata dalla saga filmica di Nightmare: in cui l’episodio 1×20 (14 maggio 1989) diretto da Jonathan R. Betuel ha una breve sezione ambientata in videoteca.
Deliziosa piccola videoteca incontrata nell’episodio 1×07 (18 novembre 1998) della celebre serie TV “Streghe” (Charmed): purtroppo quel negozio è il posto peggiore per una coppia in crisi.
La rubrica MGE (Musica per Giovani Etruschi) racconta della mia formazione musicale giovanile mediante i mitici videoclip dell’altrettanto mitico canale noto come Videomusic. I giovani alla lettura sono avvertiti: si parla dei veri anni Ottanta, quelli cari a noi stagionati!
C’è stato un tempo in cui Tom Cruise era solo un ragazzetto ad inizio carriera che aveva la fortuna di finire in un film con Paul Newman, lui sì grande stella del firmamento. Quando uscì il film Il colore dei soldi (The Color of Money, 1986) andai giù di testa con il biliardo, ma essendo un ragazzino non frequentavo certo le bische dove ci si giocava – ne avevo una dietro casa ma bastava guardare le facce di chi vi entrava per capire che non era proprio il caso – quindi mi accontentai di un libro sul biliardo, che ho letto con grande piacere, e un mini-biliardo da tavolo, con cui mi sono divertito parecchio.
L’altra eredità del film di Martin Scorsese è la canzone di Eric Clapton il cui titolo rappresenta una celebre giustificazione dei maschietti: “It’s in the Way That You Use It“, sta tutto in come lo usi… Il biliardo, ovviamente.
La rubrica MGE (Musica per Giovani Etruschi) racconta della mia formazione musicale giovanile mediante i mitici videoclip dell’altrettanto mitico canale noto come Videomusic. I giovani alla lettura sono avvertiti: si parla dei veri anni Ottanta, quelli cari a noi stagionati!
Vi invito a tornare con la memoria al mitico videoclip di “Wild Wild West” (1999), l’unico prodotto buono che è derivato da uno dei pochi film al mondo a competere con Alien: Covenant (2017) per la palma di “Più brutto e stupido della storia del cinema”. Mentre Will Smith butta giù il suo rappettino morbidino e Sisqo si fa strada con il suo ritornello, al fianco di Smith ogni tanto vediamo un signore con gli occhiali scuri, il cui compito nel videoclip è ripetere «Uà Uà Uèst». È il modo con cui gli autori rendono omaggio all’autore della campionatura originale che poi è stata fusa con I Wish (1976) di Stevie Wonder, pure lui presente nel videoclip. Erano passati dieci anni da quando quel signore cantava Wild Wild West (1988) per paragonare la violenza nelle strade nere a quella del Far West bianco, e quel signore si chiamava (e si chiama) Kool Moe Dee.
Non so se nei negozi di musica italiani del 1988 sia arrivato l’album How Ya Like Me Now, che conteneva appunto Wild Wild West, ma so che VideoMusic era come me e mia madre: adorava il rap. E da quell’album presentava il videoclip di No Respect, di cui mi innamorai perdutamente.
Un bambino veniva contattato da un tipo losco e per una banconota si apprestava a rovinarsi la vita, consegnando della droga. Temo che questa scena fosse simbolica di intere generazioni di bambini cresciuti in un ambiente dove lo spaccio era l’unico sbocco di carriera. Molti rapper hanno usato la rabbia per descrivere questo ghetto morale («Born black… born dead!» gridava Ice-T coi suoi Body Count) altri invece hanno usato la comicità. Nei suoi spettacoli anche Dave Chapelle ha raccontato di bambini spacciatori, con la terribile leggerezza che solo un comico consumato sa comunicare – cioè ti assesta un pugno nello stomaco mentre ti fa ridere – e Kool Moe Dee è un altro che ha usato un videoclip frizzante e quasi demenziale per raccontare come nel ghetto nessuno ti possa sentire urlare.
«Quello che vuoi, non lo otterrai,
quello di cui hai bisogno, non lo ammetterai,
non importa quanto ci proverai:
coi soldi il rispetto non ci comprerai.»
Mi sono permesso questo gioco di rime per rendere i primi versi della canzone, quelli che Kool Moe Dee, mascherato da vecchio saggio, rivolge al giovane spacciatore “in erba” per metterlo in guardia dalla vita che lo aspetta, e poi inizia a fornire una panoramica semi-seria, ma tristemente vera, della vita criminale delle strade nere.
Un flashback al 1972 ci mostra il nostro eroe giovane e vestito come un pappone da barzelletta: non ho capito se gli autori si sono divertiti ad esagerare la “moda” per intenti umoristici o se davvero quello negli anni Settanta era chiamato “vestire bene”; forse una via di mezzo fra le due cose.
La morale, alla fin della tenzone, è che donne, droga e dollari mandano i neri in prigione…
… ma per fortuna il piccolo aspirante teppistello ha capito la lezione.
Con uno stile ai limiti della comicità il messaggio di denuncia sociale è piazzato, e una mia personale ipotesi è che non sia casuale l’inserimento nella campionatura di quello che noi esperti musicali chiamiamo «Ti-ri-tiiiii», cioè quello svirgolìo di chitarra che contraddistingue Respect (1965) di Aretha Franklin: visto che entrambe le canzoni parlano di rispetto, mi piace pensare che sia un omaggio.
Sono passati decenni ma questo videoclip continuo a considerarlo fra i migliori dell’epoca, pur con tutti i suoi difetti e anzi forse proprio per quello. E ricordate sempre, che non importa quanto ci proverete: coi soldi il rispetto non ci comprerete.
L.
– Ultimi ricordi musicali:
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La mia conoscenza di Bruce Willis la devo a mia cugina, di qualche anno più grande di me, che intorno al 1990 (o giù di lì) uscì fuori essere fan sfegatata di un attore che io conoscevo per aver visto qua e là ma che onestamente non conoscevo così bene. Di sicuro però sapevo che oltre a fare l’attore era anche un cantante, visto che da VideoMusic avevamo registrato la celebre “Save the Last Dance For Me” (1960) dei The Drifters nella versione di Bruno.
Ora che ricordo, all’epoca nel negozio di musica che frequentavo comprai a due spicci l’LP The Return of Bruno per regalarlo a mia cugina per il suo compleanno (non prima di essermelo registrato su musicassetta): chissà se ha ancora quello che oggi è un bel pezzo da collezione.
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A rischio di essere accusato ingiustamente di putinismo mi piace ricordare questa canzone di un mondo lontano, così lontano che purtroppo ha fatto il giro e sta tornando.
Per i giovani all’ascolto, è esistito un tempo oscuro chiamato Guerra fredda, in cui le due grandi potenze americane e russe si odiavano, si riempivano di armi nucleari e si minacciavano distruzione a vicenda: per fortuna quei tempi sono lontani, vero?
In quel periodo oscuro, il newyorkese Billy Joel – che magari i giovani non sanno essere stato una grande popkstar del suo tempo – andò a fare un concerto a Mosca: detta così sembra una cosa ovvia, ma nel 1987 che un americano suonasse nel cuore dell’Impero del Male era una roba grossa, davvero grossa. E cosa vuoi cantare a Mosca? Quale canzone occidentale parla dei russi? Il Casatchok (1969) di Dalida? Mmm, no, meglio “Back in the U.S.S.R.” (1969) dei Beatles.
Sempre per i giovani all’ascolto, USSR era la versione americana (Union of Soviet Socialist Republics) di quella che noi chiamavamo URSS (Unione delle Repubbliche Socialiste Sovietiche) e che i sovietici chiamavano CCCP (Союз Советских Социалистических Республик).
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A proposito di videoclip meno modaioli e con più impegno sociale, dopo Indochine non posso non parlare di “King of Bongo“, presentato nel 1991 da quei Mano Negra che si erano fatti conoscere con quella bomba di King Kong Five (1989): eravamo tutti rimasti a bocca aperta dall’impossibilità di catalogare la loro musica, e quel ritmo ci ronzava nelle teste come recitava l’irresistibile ritornello. (Now, listen to the beat, beat of the song, song / Go buzzing in my head, head like a bum dum)
Per capire il successo di quel gruppo di ribelli francesi che usava il nome di un’organizzazione anarchica spagnola, King Kong Five la trovai a sorpresa nella commediola romantica Tutto può accadere (Career Opportunities, 1991) con Frank Whaley e Jennifer Connelly. Per i più giovani, Whaley era un divo di belle speranze dell’epoca, anche se poco fortunato.
Se una patinatissima commediola americana usa una canzone dei Mano Negra, vuol dire che hanno sfondato di brutto.
Ci sarà tempo perché il cantante del gruppo, Manu Chao, sopravviva ai Mano Negra e si presenti poi in solitaria riadattando King of Bongo in quel mitico album Clandestino (1998); ci sarà tempo perché addirittura Robbie Williams riadatti quel brano, nel 2006: sono tutte canzoni che mi sono piaciute ma che però sono solo semplici sudditi del Re. E nella giungla c’è solo un Re del bongo.
Ogni mattina, in Africa, un Re si sveglia e sa che dovrà suonare il bongo più forte di tutti quelli che gli invidiano il posto…
Scherzi a parte, protagonista della canzone è il re del bongo, figlio del Re del Congo e della regina del Mambo, e questa sua abilità musicale è invidiata da tutte le scimmie: non è chiaro se sia una connotazione razzista o se davvero i nostri cugini primati ambiscano a suonare il bongo come il protagonista, ma era il 1991, altri tempi…
Il re del bongo sente arrivare rumori molesti dalla grande città e decide di portare anche lì la sua musica per essere adorato anche da quelle genti, scoprendo che invece lì preferiscono generi musicali insopportabili – tipo la house – e d’un tratto il nostro eroe scopre la relatività: nella giungla, fra le scimmie, era il re; nella città è solo un pagliaccio irriso da tutti. Anzi, è chiamato “scimmia” pure lui, essendo chiaro che non si dovrebbe mai dare epiteti, visto quanto fa male poi riceverne.
Umiliato, il nostro re del bongo decide di tornare nella giungla, dove tutti lo adorano e lo invidiano: per dirla con Milton, meglio regnare all’inferno che servire in Paradiso.
Questa canzone sul difficile rapporto fra società diverse e soprattutto su un “selvaggio” che si trova male con la nostra “civiltà”, esce nel 1991… e guarda caso nel 1994 Christian De Sica presenta la sua “Bongo Bongo Bongo“: di cosa parlerà mai questa canzone? Guarda a volte la coincidenza, di un “selvaggio” che alle offerte di venirsene in città risponde “Bongo Bong Bongo, stare bene solo al Congo”, con tanto di De Sica pittato di nero e con l’anello al naso: che classe!
Visto però che il brano è la reinterpretazione moderna (e, potete non crederci, “ripulita”) del brano omonimo del 1947 di Nilla Pizzi e Luciano Benevene, pieno di espressioni pittoresche oggi passibili di denuncia, c’è da chiedersi se invece non siano i Mano Negra ad essersi lasciati ispirare dalla canzone italiana politicamente scorretta, visto poi che ancora in tempi recenti l’espressione “Bingo Bongo” in italiano indica un extracomunitario “abbronzato”.
Fate “ciao” a Manu Chao
Nel 1991 ignoravo il testo della canzone, a cui mi dedicherò solo nel 1998 con il ritorno in scena di Manu Chao, ma già da ragazzo trovavo irresistibile il ritmo trascinante della canzone, con il suo videoclip scalmanato.
L.
– Ultimi ricordi musicali:
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Nel 1987 ero un giovane Etrusco tredicenne appassionato di animazione in stop motion, cioè quella tecnica all’epoca ancora di gran moda con cui si “muovevano” i mostroni al cinema. Mi ci ero appassionato con i film mitologici curati da Ray Harryhausen ma è una tecnica che trovate anche in Star Wars. Quando nel 1988 arrivò in casa la videocamera, fra le prime tecniche che studiai fu proprio quella di fare video animati con i miei Lego, cominciando a sfornarne a raffica. (Ma questa è un’altra storia.)
Spiego questo per dare un’idea di quanto andai fuori di testa quando VideoMusic cominciò a mandare in onda il videoclip di “Indochine” dei Les Tzars. Non ho mai saputo cosa dicesse la canzone francese, non mi sono mai informato né all’epoca né ora, perché l’unica cosa che mi interessava… era che ci fosse un lucertolone in stop motion!
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Viviamo in una cultura dell’aggiornamento che ha danneggiato profondamente il nostro “senso storico”: se oggi scopriamo qualcosa del passato, subito aggiorniamo il passato, come se ciò che abbiamo scoperto oggi fosse stato sempre noto. Il caso di George Michael è paradigmatico.
Scomparso appena cinquantenne nel 2016, il cantante aveva dichiarato pubblicamente la propria omosessualità dal 1998, quando in un locale di Beverly Hills era stato pizzicato con “le mani nella marmellata” (Premio Simbolismo Delicatissimo 2022): sicuramente molti sapevano anche prima della sua sessualità, ma non era di dominio pubblico, quindi nello scrivere la “storia” di George Michael bisognerebbe specificare che è stato un modello a cui tutti gli etero hanno guardato con ammirazione, prima del 1998.
Posso testimoniare come all’uscita del videoclip “Father FIgure” nel 1987 su VideoMusic non esistesse il minimo dubbio: per tutti noi George era il cantante maschio senza rischio!
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È inutile che facciate finta di niente, vi vedo che state sorridendo, pensando all’episodio “mollicone” che inevitabilmente si è legato alla canzone più mollicona degli anni Ottanta: quel 1987 non c’era cuoricino italiano che non battesse al ritmo del ritornello di “Sign Your Name” di quel cantante che oggi vive a Milano e si fa chiamare Sananda Francesco Maitreya, ma che all’epoca aveva il nome sciogli-lingua di Terence Trent D’Arby.
Torna il problema della traduzione, che pare molto facile per il titolo di questa canzone ma non lo è: «Sign your name across my heart», ah, che bella frase, facilissima da tradurre… “Firma il tuo nome per tutto il mio cuore”… no… “Scrivi il tuo nome…” no… Va be’: “Apponi la tua firma in calce al mio cuore”!!!! Ma possibile che le canzoni americane fanno schifo a tradurle in italiano?
Non ci credo che non vi state muovendo al ritmo dell’ipnotico ritornello d’ammmòre, con la storia di due amici fra cui nasce un sentimento ben più profondo. travagliato e mollicone quanto basta per conquistare le classifiche musicali.
Chi è che negli anni Ottanta non aveva la moto in camera da letto e un proiettore che sparava l’amata a tutta parete?
Questa era ovviamente la canzone che vinceva tutto, il videoclip imperversava su VideoMusic e c’era anche la versione dal vivo (che non ho ritrovato su YouTube): in pratica la stessa canzone girava in due forme distinte in contemporanea, giusto per capire quanto c’era da firmare su ’sto cuore.
Rivisti oggi i vestiti di Terence sono un po’ imbarazzanti, ma temo che all’epoca io stesso li considerassi fighi: ehi, era il 1987 e avevo 13 anni, si fanno tanti sbagli. Tipo innamorarsi della ragazza sbagliata mentre radio e TV ti straziano il cuore con questa canzone…
Terence si è fatto vedere in quel periodo con qualche altra canzone, ma andiamo: dopo che hai vinto tutto con questa canzone è difficile fare il bis.
L.
– Ultimi ricordi musicali:
“Una questione di cuore” (The Todd Dossier, 1969) di Collier Young (Robert Bloch) [31 gennaio 1971] Traduzione di Lia Volpatti – 168 pagine, Lire 300.
“Mike Shayne e il toto-morte” (Tickets for Death, 1961) di Brett Halliday [17 ottobre 1971] Traduzione di Barbara Basso – 176 pagine, Lire 300.
![[Italian Pulp] KKK Capolavori 126: La città morta](https://archividiuruk.files.wordpress.com/2022/11/kkk_cittamorti.jpg)
“La città dei morti” (Huacas Picchu) di Terence O’Neil [5 novembre 1969] Traduzione di Laura Toscano – 128 pagine, Lire 200.
Mel Gibson e Eddie Steeples giocano a scacchi prima di andare a disinnescare bombe.
Un film stupido e imbarazzante con una scena scacchistica stupida e imbarazzante.
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Illustrazione di Giovanna Ferraris per la copertina del romanzo del 2021 di Håkan Nesser (Guanda 2022).
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